La recensione di "Otello", di William Shakespeare che con l'adattamento e la regia di Luca De Fusco è in scena al Teatro Argentina di Roma fino al 29 novembre

 Recensione a cura di Mario Turco

Oscar insanguinato è il film di Douglas Hickox in cui il protagonista, un tronfio attore shakespeariano interpretato da Vincent Price, uccide i critici teatrali che gli hanno negato un importante premio con delitti ispirati o, in alcuni casi, proprio copiati dalle più celebre tragedie del Bardo. Il titolo originale di questo lungometraggio del 1973, cult-movie dell'horror e sogno bagnato del revanscismo di tanti artisti che in tarda età non accettano più con serenità gli avversi giudizi sulla propria carriera, è "theatre of blood", espressione che marchia con invidiabile autoironia proprio uno dei capolavori del drammaturgo elisabettiano.  Quando in "Otello", di William Shakespeare che con l'adattamento e la regia di Luca De Fusco è in scena al Teatro Argentina di Roma fino al 29 novembre, l'espressione viene pronunciata con raccapriccio da uno dei gentiluomini veneziani accorsi nella stanza nuziale dove si è consumata la mattanza finale non si può che applaudire la scelta di portare sul palco la modernissima visione sulla violenza dell'originale, pietra angolare ancora oggi di molti dei temi che contrassegnano questi tempi intrisi di sangue. 

Produzione Teatro di Roma – Teatro Nazionale, Teatro Stabile di Torino – Teatro Nazionale, Teatro Biondo di Palermo, questa versione firmata dal regista napoletano recepisce e rilancia infatti con grande finezza l'ambigua forza del dramma sul Moro della città lagunare mostrando come il lavoro su un testo gravato di secoli e con una tradizione ultracentenaria di rappresentazioni possa arricchirsi ulteriormente di sfumature di senso quando lo si pone in strettissimo dialogo con l'attualità. Avvalendosi della traduzione di Gianni Garrera che, con coraggio, non lesina sulle volgarità di linguaggio dell'originale, Otello lascia che le sferzate contemporanee non intacchino l'ordito generale del dramma - certo, i cinque atti vengono asciugati e alcuni personaggi espunti ma ci sono tutti i monologhi più famosi e le svolte tramiche più celebri -, accompagnandone piuttosto alcuni passaggi. Così Iago, interpretato con la solita bravura da Luca Lazzareschi, fa il suo ingresso in scena tirando fisicamente la prima delle tante corde cospirative che si vedranno nell'ora e quarantacinque di durata dello spettacolo, illuminate la prima da una fosca luce rosso sangue e le altre da quella bianca dell'innocenza tradita. Quella di Desdemona, naturalmente, ma anche la sua: a memoria, non ricordiamo così tanta enfasi sulla sua "onestà", primo segno verbale della perfida natura che alberga nell'animo dell'alfiere. In questo senso, la malvagità di Iago è qui fatta emergere dai suoi inganni e dai monologhi tenuti sul proscenio piuttosto che, come purtroppo ci è capitato spesso di vedere in altri allestimenti, da lombrosiani tic. 

L'Otello di De Fusco, infatti, inscrive la vicenda in una cornice che va oltre la singola colpa del diabolico manovratore: il Male non è più questione personale ma di genere. Il mostro della gelosia da cui il moro si fa fin troppo facilmente irretire diventa allora un effetto del cameratismo patriarcale, la sempiterna affermazione della potenza del sesso dominante che facendo leva sul primitivo sentimentalismo dell'eponimo protagonista mostra come sia il possesso sulla donna a portare al crudele scioglimento della vicenda. Le continue, irricevibili sentenze sessiste - "Ha tradito suo padre, potrebbe tradire anche te" - che costeggiano la tragedia, sono da De Fusco immerse in una scenografia, firmata da Marta Crisolini Malatesta, che omaggia il genere cinematografico più apertamente figlio di questo modo di vedere la società: il noir degli anni 30/40. L’Otello, interpretato con rustico vigore da Federico Vanni è, infatti, tormentato dai fantasmi dell’infedeltà della sua giovane moglie con l’aitante Cassio: proiettati in video con un raffinato bianco e nero, sono proprio queste autoavveranti profezie di cornificazione a spingerlo definitivamente verso la scelta di uccidere la sua consorte. Quello che nel play originale, indice davvero deleterio dell’arretratezza civile dei tempi, viene derubricato come eccezionale raptus nella versione di De Fusco trova però splendida via di fuga nella pioggia di fazzoletti rossi che scroscia sulla stanza dove è avvenuto l’ennesimo “omicidio d’amore”: in fondo, la morte di Desdemona è soltanto uno dei tanti femminicidi di questo Occidente infamato dalla sua costitutiva disparità di genere.